血汗與眼淚

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這註定是導演林超賢、編劇吳煒倫、男主角張家輝的從影生涯代表作，
並非技術上沒有暇疵，並非結構上已臻完整，
卻是情緒的低潮中，現實的困境中，一道有血有肉有汗有淚的療方。

開場是蔚藍的天空，雪白的雲朵，一望無際的大自然風景，
無憂無慮，遼闊大地任我闖，四海為家，卻是流離闖蕩
鄉郊的純樸與人情，呈現在小孩間嬉鬧的笑容、繃跳的動力中;
然而鏡頭一轉，來到不見天的夜晚，林立密集的大廈，
城市的靡爛與冰冷，反映在金碧輝煌的濃烈色彩、酒肉男女間的嘴臉上。
這兩幕對比，是自由與封閉，是豁然開朗與放任墮落，
然而有時，這並不是一個人的選擇，而是一個家的承擔。

延續《證人》《綫人》《火龍》人物宿命交接的主題，
來自三個不同的地方，三段本互無關係的人物，因著改變一生的遭遇，都在同一處相遇。
片名《激戰》亮出時，是破碎的，
當下三個主角的人生，都在自己的手中，因著命運的播弄，傷痕纍纍。
然而，因著裂痕，反而有了絕地逢生的轉機，
既然早已失去一切，就不怕多艱難多危險，都豁出去吧。

也許有了馮志豐加入編劇團隊，前作故作悲情的絕望宿命感終於有了突破，
燃起了意志，卻又被突如其來的惡耗摧殘，
只是今次的意外，不再是純屬巧合，而是提供了角色救贖與成長的出路。

賤輝的債主追上門，讓丹丹墮下樓梯，誘發阿君精神病發，
同一時間讓三人跌進了無盡谷底，卻亦成了他們最終打開缺口的關鍵。

賤輝一心避債，打算向生活低頭，為兩餐寧受「好大屈辱」教師奶打拳，
但原來過去所犯的錯，仍像夢魘般纏繞不離，
因著昔日的沉淪，導致目前的幸福成幻影，
罪疚，逼使其面對從前的失敗，立志取回以前輕易出賣與放棄的唯一所長，
即使所付代價有多艱巨，都不能阻擋的意志力，就源自一份改過自新的決心。

丹丹只希望能跟母親一起生活，
她要好好照顧媽媽，除了因為親情上的唯一依靠外，
也許還因為其對弟弟之死，都有歉疚感。
電影開首描述浴缸意外時，阿君其實有告訴丹丹，要倒掉缸中水的，
她裝老練成人，要練拳變強壯，
定下家中規條避免觸碰媽媽傷口，「阿媽唔係傻架」是她的最大堅持，
就算有過擔心，她也並不肯相信媽媽仍有潛在精神病的隱憂，
亦因此，要跟回父親，離開母親，是她最難接受的，
就有了最後賤輝跟丹丹的約定。

阿君失去了兒子的打擊尚未完好，
在面對連女兒都沒有的可能時，就全然崩潰了。
她在悲劇發生後，只能活在自己的世界，隔絕外間的聯繫，
精神病患並未完全復原，就因著這次臨界點，有了再次正視並治療的機會，
最後字幕名單時所見的片段定格，
我相信是她康復後，三人團聚所拍的，亦只能接受這個結局，
最理想的大團圓，可能只有在夢中，只有在劇本中，
但怎麼不可以呢? 至少有一個虛構的時空，
在那兒活著的人，善良並有好下場，我就心滿意足了。

至於林思齊斷頸椎的那場賽事，
觀眾眼內是慘烈的敗仗，在林思齊的角度卻是轟烈的勝利。
猶記得比鬥前，林思齊所說的心聲嗎?
還有電影前半段，對於林思齊受訓前的鋪墊嗎?
賤輝後來亦有說，最重要知道自己走上台，是為了什麼，
他的徒弟並沒有輸，因為他做到了，
那就是其父親重新振作，再站起來。

事實上，林思齊一直為旁述所稱頌，觀眾所讚嘆的，就是其意志，
而他的意志是來自父親的，
所以，當他看到父親親臨現場支持自己的一刻，
他就知道，其心血沒有白費，
亦在鬆懈的當下，被狠狠擊倒也是必然了。
就算他真的癱瘓了，也許他都不會後悔，只是就虧了父親病床旁的眼淚了。

林思齊去參賽，是為了父親再站起來;
那賤輝最後的決定，也應是要為林思齊再站起來，以身體力行作見證:
就是我做的到，你都要做的到。
賤輝並沒有在後期地獄式苦練的階段，再見丹丹與思齊，
到底就是為了這兩個成為他命中轉捩點，卻可能以後不再相往來的人，拼盡一次。

思齊看了電視，丹丹在館外等，
到最後，賤輝並沒有失去他們，
正如即使不再如開場般在藍天下暢遊，賤輝丹丹其實早以油漆，在自己家中畫上專屬他們的小天空。
他們每一個都燃燒著命中每一分寸，為的就是其心目中一個理想的家。

以往林超賢的標誌風格，都在於動作場面的花巧調度，
像《火龍》的酒樓槍戰、《綫人》的校園廝殺，都靠攝錄機的移動來營造張力，
但這一次侷限在籠內，已有困獸鬥的環境，作為絕境困局的天然比喻，
狹窄的空間，圍住了籠內人的走動範圍，
是次拍攝手法就可以化繁為簡，集中在演員間的特寫轉換，
讓面部的眼神表情、肌肉的肢體語言成為主導。

重視演出的逼真，多於特技的爆破，
作為導演的新嘗試，效果相當顯著，
尤其在愈後期的賽事，鏡頭距離人物愈近，
肉體的纏鬥更貼身，就有埋身肉搏的官能刺激。
當中每一場格鬥，導演都運用了多角視點去全面捕捉籠內籠外的走位與心理狀況，
先拍籠內雙方準備就緒的步法姿勢，跟著有從拳手出發的主觀鏡頭，
後接一個從籠外看的鏡頭，再剪到電視直播的片段，
亦有籠內籠外的景深調整，拍攝拳手與教練的一舉一動，以及其互動。

賤輝在片中有雲，作為一個拳手，必定要打出自己的節奏，
《激戰》調控節奏之道，就在於背景聲音與配樂。
戲中每一場打鬥，都讓觀眾血脈沸騰情緒繃緊，就在於聲音上所暗示的痛楚，
不論是「啪」手聲、斷頸聲、每一下的拳打腳踢，都利用音效強化了力度。
另外，環境聲亦烘託了情感，
像每次出現滴答滴答的雨聲，都在提醒主角與觀眾，開場時浴缸的浸水聲，就讓陰影揮之不散。
當然，還有由始至終貫穿的 The Sound of Silence，
從耳塞沒有音樂，到不知歌詞歌名的純音樂，牽引到高潮的寂靜歌聲，
是希望與絕望來回徘徊的意境寫照。

場景選址在澳門，而非近年慣用的香港街頭，卻有舊香港的親切感。
鄰舍親近，如林思齊成功拜師，後面就有一家人在吃飯;
天台點蠟燭慶中秋、絕了種的單黃，除了是側寫被社會遺棄的邊緣狀況，都是一個舊時代的懷念。
攝影上沿用了「漸進黑白」的方式去表達逝去的回憶，
因著顏色轉變的強烈，更突出美好時代已過的感慨，從而亦滲透了往事已矣不可追的訊息。

導演在拍攝題材上走出了近數年的典型框架，
不再沿用警匪片的格局，不再談正邪黑白間的灰色地帶，
反借拳擊運動中的熱血勵志，去鼓勵觀眾面對人生的難關，社會上各種擂台的試煉，
訓練場面的蒙太奇，從思齊練基本拳擊開始，再到練MMA格鬥技，到最後賤輝親自上場操練的剪接，
通過演員的肌肉，將生活的重擔形體化，
這是屬於血肉之軀的極限挑戰，從而在視覺的震撼中去激盪人心，
你目前在擔心害怕什麼，都不足與螢幕前的車輪、拉力帶、健身球與戰繩相比吧?
觀眾平常無形的壓力，對照他們有形的艱辛，自能從中有所啟發。

最後，編與導的突破，都及不上演員所帶來的衝擊。
沒有了張家輝與彭於晏，這部電影就拍不成;
沒有了李韾巧，溫情的感染力就大減;
就連盧覓雪與姜皓文的輕鬆調劑都恰到好處，
可說得上，《激戰》是一部以整體演出為重心的作品，
不論鏡頭焦點、劇本落墨，始終都是演員為主，
而張家輝操練出MMA的身型，肯定他的專業精神之餘，
回歸化骨龍的演繹方式，才叫影迷喜出望外。