21世紀歌舞片的標竿

       同最近30年的絕大部份歌舞片一樣，《芝加哥》也從音樂劇改編而來。
    近年來的歌舞片大多乏善可陳，前兩年大熱的《悲慘世界》雖然用了現場錄音這個「革新」技術，但總體來說還是沒有脫離「只是簡單地把舞台搬到街上」的魔咒，《吉屋出租》、《髮膠》（2007版）和由《芝加哥》導演羅伯•馬歇爾執導的《魔法黑森林》等歌舞片幾乎都如此。對於很少釋放舞台錄像的音樂劇來說，它的電影版本成為觀眾們（音樂劇迷們）一睹該劇風采的途徑，這些影片的製作都不差，由於出身於成功的音樂劇，這些影片都在盡職盡責地保留原劇的味道，在影像呈現上卻有些束手束腳，以致於這些歌舞片大多成了中庸之作。
    歌舞片的式微很大程度在於新世代觀眾不再能接受生活中演著演著就唱的行為，這種歌舞昇平的歡樂實在是太50年代了。《芝加哥》的突出之處，在於強化了「電影」二字在音樂劇改編電影中的作用。《芝加哥》的故事本就與舞台相關，作為電影的《芝加哥》把幾乎所有的歌舞片段都處理成了夢想成為歌舞明星的女一號Roxie的想像。剪輯是它把電影作為第一要義的重要元素。影像的拼貼不僅讓現實（普通對白）和想像（歌舞）交替出現，二者之間場景和裝束等的不同又可以拉大現實和想像之間的距離；這種通過剪貼而得到的不同時空的同時（其實是交替）出現，也是影像和剪輯最原始的魅力。也可以說這樣雙線並行的方式是一種現代的結構，雖然結構已經被其他非歌舞類型的電影玩殘了，但這在黃金時代歌舞片和當代音樂劇改編電影中都難以看到。
    《When You Good To Mama》就很好地印證了此作用。監獄中的兇悍管理員，和女主想像中的劇場中如老鴇一般的「胸」悍表演者，是同一個人，不同的裝束，不同的妝容，同一個演員，同樣的氣質。對白是實，角色都穿著灰色囚服，監獄的蒼涼也由此體現；歌舞是想像，於是金燦燦的禮服，諂媚的笑容龐大而性感的身軀，既描述了Mama的貪婪世故的性格，又描繪了Roxie對舞台生活的美好想像，同時紙醉金迷的舞台又展示了那個年代的墮落，一舉三得。要知道，這段在舞台上，就是Mama的乾唱。
    《We Both Reach For The Gun》一段中，瑣碎的剪輯減輕了舞蹈的難度，但正因為剪輯，Roxie和記者們才得以花上木偶妝，比利才能同時存在於舞台中操縱女主和舞台上方操縱媒體。這就把原劇裡的操縱關係交代得相當清楚了。
    隨後的《Roxie》一曲用了舞台中難以用到的鏡子（這裡有本片最明顯的穿幫鏡頭）。這段似乎致敬（或者抄襲？）了《上海小姐》中奧遜•威爾斯和麗塔•海華在遊樂場的經典場景。千面鏡子，千個角色，都是外表甜美內心毒辣的惡婦人。
    演員的表現也是相當搶眼，凱薩琳澤塔瓊斯飾演的Velma 一出場已經俘虜觀眾的心。黑色波波頭的造型也深人人心，還憑此角色拿下奧斯卡女配。
    蕾妮齊薇格是更絕的，剛從《BJ單身日記》片場出來，就演了個性感美女的角色，從胖妞到白骨精的過程讓人羨慕不已。蕾妮齊薇格的相貌並不出眾，減肥過度導致的骨感身軀也不能說性感，但是性感被齊薇格硬生生地演出來，也是相當難得。蕾妮的聲音沙啞纖細，放在劇場完全不適合，但放在電影中，卻顯得嬌嗔，又有菸酒的世故味兒。
    配角的實力和表現力都很強，比如比女主角女二號還小一歲的Queen Latifah，氣場hold住了一切。就連打了個醬油的劉玉玲也讓人印象深刻。相比之下，男主角的好在周圍一群極好的包圍下，顯得弱了。
    《芝加哥》原劇角逐過東尼獎，96年復排版奪過東尼獎最佳復排音樂劇，掃走了很多技術獎。主創鮑勃•福斯是個全才，絕等一流的編舞大師，拿過奧斯卡（《歌廳》)和金棕櫚（《爵士春秋》）的電影導演。原劇的高配置，為改編成為歌舞片打下好基礎。
    《芝加哥》的水平跟當黃金時代的頂級歌舞片相比還是弱很多，還有很多不完善的地方，現實和歌舞兩條線的相切也相對生硬，但跟近30年的歌舞片（平凡，平庸，甚至爛）來比，已經相當不錯了。