牆上的斑點

關於本片：1. 本片曾被法國《電影手冊》評選為2015年十佳電影之一。2.這是一部劇情非常簡單的電影，導演自己也說這是一部輕鬆的電影，因此她很注重這部電影的「感官」表達。元素涉及森林，湖泊，藍天，少女的愛和飛翔的慾望。
精彩台詞：謝謝你，做你自己！
影迷評價：這是一部關乎身體的電影，它不只是在講述一個克服恐高不適的故事，而是在用鏡頭傳遞這種微妙的感官體驗。
網路評分：IMDb 6.8

影評正文：

牆上的斑點


[桑格莉之夏]並不是一部結構嚴密，設計精巧的電影。《電影手冊》的評語是「劇情之所以如此引人入勝，是因為它並不是按照一個概念性的邏輯編纂的，而是按照某種只能開在螢幕上的玩笑或遊戲的方式處理，然後故事就是在玩笑中漸行漸遠。」就像伍爾夫筆下的「牆上的斑點」般令人捉摸不透。與「牆上的斑點」相似的是，全片都在通過感官進行敘事描摹，攝影機的每一次晃動與光暈都是在藉由鏡頭，與桑格莉建立一種關係。陽光射向少女的酮體，導演在用鏡頭與桑格莉進行溝通。就像蔡明亮在[愛情萬歲]等其後的一系列電影中所構造出的，一種現代主義意味的表現方式一樣：通過長期凝視一個身體(李康生)從青春的狀態一直拍到壯年，最後衰老。電影所表達的意義就在於人生如「寄」，人的身體只是一個暫時的，你寄託的，居住的地方。

電影乍看起來是一首清新婉麗的小詩，攝影氤氳，阿蘭特·卡瓦伊特有一顆少女心和玻璃心。靈動的背帶，輕巧的貝殼，在電影中類似的細節被無限放大。但實際上，導演是極具野心的。在影片接近尾聲的部份就可找到端倪，當桑格莉最後一次嘗試戰勝恐高症時她是從爬樹開始的[桑格莉之夏]大自然的原始依託)最後到攀爬冰冷的電塔(工業化的產物)不僅僅是她克服恐高的過程，導演似乎也在暗示了人類生長的掙扎與奮鬥。


夢想很輕，現實很重。少女情懷總是詩，影片不僅僅在攝影方面注入了青春的氣息。在配樂選擇上也下足了功夫。電影原聲源自法國電子樂新秀JB Dunckel。Dunckel是法國二人組合Air的成員，他們曾經為很多電影做過配樂，如索非亞·科波拉的[處女自殺]和[迷失東京]。在[桑格莉之夏]中，有配樂長達7分鐘的《The Man of Sorrow》，還有14分鐘的《Satanama》這些電子樂本身所具有的迷幻氣質為影片帶來了意境悠揚的基調。水波漣漪的節奏與湛藍的天空形成呼應，完美貼合了電影本身細膩，柔軟的特質。

毫無疑問，本片所營造出的曼妙氛圍會令人沉迷，但導演要比我們想像中走得更遠，她在電影中創建了兩個恐懼的喻體：一個是顯性的即桑格莉的恐高症，另一個則是所有酷兒電影中都曾出現過的相似主題，即同性戀者的慾望壓制。伊娃·恩斯特在《陰道獨白》中彰顯著主權：『陰道』這個詞被認為是不該說的，「它是個看不見的詞，是一個攪起焦慮、難堪、輕蔑和厭惡的詞。但是，不被我們說出的東西，它就不被看見，得不到承認，不被記憶。我們不說的東西成為秘密，這些秘密產生羞恥、恐懼和神話。我把它說出來是希望有一天我能夠輕鬆地說，不再覺得羞恥和不好意思。在電影中，兩個少女之間充滿幻真的情愛戲，即可看為桑格莉抵禦恐懼的表現。同性之間的姌和不過是對切膚之痛的關照。顯然，這是一種隱晦的表達。當桑格莉不停地割傷她脆弱的手臂時，刺痛的不再是酮體的皮囊，而是疏遠的親情與不被賞識的青春。


與[卡羅爾]不同，[桑格莉之夏]並非是女同愛情電影。愛情在片中是以一種推動力的形象出現的。就像[時時刻刻]中隱含的同性戀意味一樣，本片對女同思想的理解，更多的是源於女性在現代社會中身份缺失所造成的結果。優越舒適的生活環境，冷漠嚴苛的父母為桑格莉帶來的並非是成長的快樂，而是帶著壓抑與恐懼，就像她的恐高症一樣難以攀越。因此，當她嘗試同性之愛時，她在這種「雌雄同體」的關係中，找到了一種釋然，安全的環境。這種環境可以滋生她的夢想，奧絲特的大膽與勇敢給予了她前進的力量，是她成功路上的助推器。

阿蘭特·卡瓦伊特是一個土生土長的立陶宛人。她的處女座[聆聽時間]在表達程度上顯得太過於侷限和封閉。而與之相反，桑格莉的路途是開放的，卡瓦伊特在電影中完全打破了自我防線，將生命交託於自由。[桑格莉之夏]是她第二部作品，同時她也是本片的編劇。


本片的取景全部來自立陶宛，因為立陶宛曾經出過著名飛行員，所以導演本人認為，森林，湖泊和對飛翔的渴望都屬於立陶宛的特質。《電影手冊》曾讚賞到電影本身給觀眾帶來的驚喜與震撼令人想起英格瑪·博格曼的[不良少女莫妮卡]。而作為一名女性導演，卡瓦伊特則擁有異常敏感的天性與細微的影像感知力，這種異於常人的藝術領悟力，為她帶來了更大的創作空間，對於她的電影之路，我們將拭目以待。

本文發表於《看電影》雜誌審片室   舉報