愛樂之城為何能橫掃全球近200大獎？

************這篇影評可能有雷************

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2月12日晚，《愛樂之城》獲得奧斯卡最佳導演、最佳女演員、最佳原創音樂，最佳原創歌曲、最佳攝影等多項大獎，成為最大贏家。

自去年9月在威尼斯電影節作為開幕電影首映並大獲成功之後，《愛樂之城》迄今為止已在全世界獲得大小183個獎項。

金球獎七提七中，英國電影金像獎5項大獎，如今的奧斯卡大獎。

影片的編劇、導演，現年32歲的Damien Chazelle最終獲獎，成為奧斯卡史上最年輕的最佳導演獎得主。

而《愛樂之城》也已經打破奧斯卡史上提名最多的歌舞片《歡樂滿人間》當年所創下的13項提名紀錄。

為什麼，《愛樂之城》能夠橫掃威尼斯到奧斯卡，在不同趣味與價值取向的影展、影評人和影迷群體中，獲得如此廣泛而一致的好評？

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我以為，除了電影本身確實有其魅力之外，也是影片誕生得恰逢其時，這部講述希望與夢想的追夢電影，連同這部電影本身的拍攝遭遇和經歷一起，在當下世界政治格局動盪不安、全球經濟整體頹靡、人心渙散動力不足之際，給了好萊塢、給了全世界，一劑及時的雞血。

LA LA LAND, 簡譯，「愛樂之城」，又或者，「夢想之城」，在英語中，它指「現實之上的理想之境，苦澀生活之外的夢幻之城」。「LA」, 同時也是，美國乃至全世界的夢工廠——好萊塢所在地洛杉磯 Los Angeles的簡寫。一語雙關。

相比螢幕上曲折的逐夢故事，《愛樂之城》能夠拍成、並拍出現在的製作規模與水準，本身就是一劑勵志雞血，用導演Damien的話說，非常surreal, 超現實。它呼應著好萊塢素來偏愛的螢幕題材：夢想家通過堅持不懈地努力奮鬥，排除現實險阻，最終夢想成真。簡單說，它是「美國夢」的一曲謳歌。

這是好萊塢和它的所在地洛杉磯，乃至整個美國，長久以來持續向全世界輸出的一種價值觀。如今，這也是全世界普遍接受的一種價值觀。奧斯卡的獎項肯定，不過是一個風向標與價值引導。至於對此如何評價，此處暫且不表。

在本屆奧斯卡提名名單里，《愛樂之城》的風光無兩與李安《比利林恩的中場賽事》的顆粒無收，是從正反兩面印證著這一價值觀在這個語境中的「政治正確」。

顯然，《比利林恩的中場賽事》對美國夢、美國國家主義以及諸多美國現實問題的解構與批評，是不受歡迎的、甚至是遭普遍排斥的。好萊塢的電影工業，好萊塢的電影語法，不歡迎李安這樣一個外來文化者的解構與重新定義。

即便是對於全球的影評人和影迷來講，螢幕上下的雞血與傳奇，在艱難時世里，也顯然比冷靜、理性、苦澀的現實批判，更讓人願意接納。何況，電影對很多人而言，一個重要的功能，本就是造夢。好萊塢工業體系作為一個整體，正是架構在這樣的價值基礎之上。

如著名電影研究學者戴錦華所言，好的商業電影，就是讓觀眾走出影院後，覺得生活還很美好，還有希望。

所以，我早早就預測，《愛樂之城》必然會在接下來的奧斯卡上，獎項開掛。

頹勢中的好萊塢，正等不及地要給「傳奇」一個表彰，為這「傳奇」再添「傳奇的一筆」。

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《愛樂之城》能拍出來，確實不易。

引用《好萊塢報導》的說法，「歌舞片，尤其是爵士歌舞片是一種幾近消亡的類型片。」

2002年，歌舞片《芝加哥》口碑票房雙豐收，在奧斯卡一舉奪得最佳影片等6項大獎，是歌舞片最後的一次高潮。之後，可說的還有《悲慘世界》。但別忘了，這兩部電影，都有長盛不衰的音樂劇托底，本身就有一定的粉絲基礎。

而《愛樂之城》，卻是一部全新創作的、反映當代現實題材的歌舞片。所以，六年前，當新人Damien拿著劇本和已經寫好的曲目，四處尋找投資時，處處碰壁。好萊塢的片廠們，不是不喜歡這個故事，不是覺得那些歌曲不夠動人，但沒人願意冒風險。

好萊塢它從來既是夢想家的天堂，不乏很多夢想成真的瘋狂故事，也從來都最勢利、涼薄，它只認結果。新人Damien懷揣著劇本與激情，四處敲門，卻只找到100萬美元的投資預算，並且，投資片方還對他提出了極其苛刻的大幅改動意見。但那不是Damien想拍的故事。這樣的理想實現，需要兌付的成本太高、代價太大，無異於一次廉價的變調銷售。不願做此犧牲的Damien, 決定先放一放這個項目：「無論是在現實中，還是在電影裡，你總要找到辦法push forward。」

Damien遂啟動了相對更易操作的《爆裂鼓手》，投資更小、切入點更小、題材也更受片廠認可。

最後，這部影片在奧斯卡獲得包括最佳男配、最佳剪輯、最佳混音等三個獎項，也為片方帶來了優異的投資回報率。這份亮眼的成績單為Damien繼續《愛樂之城》的項目打開了一扇門。

而最初那段經歷——幾乎絕大部份夢想家在追求夢想實現的過程中，都曾經歷過的掙扎、受挫，顯然深刻地影響了彼時壯志未酬的Damien。

《爆裂鼓手》和《愛樂之城》中，都反應了夢想家在追求夢想的路途中與現實以及自我的角力。

Damien自己也說，在兩部電影中，放入了很多自己切身的經驗與體會。並且，它還揉入了兩位男女主演Emma Stone（石頭姐） 與Ryan Gosling（高司令）早年初入行時身為小角色的經歷。

Emma15歲隨母親到洛杉磯，第一年裡，少女如她經歷了很多失敗的試鏡，遭受到很多打擊，她時常剛剛開始表演，甚至一句台詞還沒說完，便被喊停。這些被加到了電影中。

而影片中Emma另一個試鏡故事，則來自高司令早年試鏡的一個經歷：他在這邊誇張用情地表演，選角導演卻在那邊廂打電話，安排自己的午餐。場景之尷尬，難以言表。

好萊塢電影工業中的很多人，不管是後來成為大角色的，還是仍沒有成為大角色的，應該都能從片中尋到自己曾經的影子罷。

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關於追夢的題材，其實向來更容易和每個觀眾間搭建起「共情」的連結，誰沒有、或者不曾有理想呢？

在Damien目前的兩部代表作里，《爆裂鼓手》更憤怒，更有爆發力，更突出個體在內外強壓下突破自我成長的極限；《愛樂之城》更溫情、浪漫，更強調人在現實困難面前的不放棄與夢想堅持。你也可以說，這是非殘酷青春題材的青春片。

只不過，頗有意味的是，兩部影片的結局雖然都是主人公實現了夢想，但愛情，卻都不例外地處在了為夢想而被犧牲的位置。這，或許與這位男性導演的個體認知有關。當然，也符合他不落俗套的自我要求——拒絕將影片結束在一個傳統的好萊塢happy ending中。

對觀眾而言，一個苦澀酸甜、帶有遺憾的不圓滿結局，確實更讓觀眾有回味空間。但進一步深入分析，也可以說，它其實也客觀上反映了現代社會很多男性的人生價值觀：在理想／事業面前，愛情，永遠是第二位的。

在《爆裂鼓手》中，這一點被年輕的男主角直截了當地說了出來；而在《愛樂之城》中，男主角是按照這樣的思維邏輯，去成全了女主角對夢想的追求，因而充滿了一種男情聖的自我犧牲感與愛情崇高感——雖然，在我看來，在這兩人的關係里，這種犧牲完全沒有必要，很有為犧牲而犧牲，為苦澀而苦澀，為遺憾而遺憾之嫌。

顯然，更有理想主義的藝術家氣質、更富激情與浪漫情懷、更懂得女主精神追求的的高司令(Seb)要比Mia後來找的成功商業男，更適合她，也更像她的精神伴侶。

愛情是不是必需品，也確實不必要非排在第一、但，也沒有必要刻意排在第二、更沒有必要刻意地將愛情與事業作人為對立。不論對於男人還是女人。一切，只關乎如何平衡。一如人如何去平衡理想與現實。

如果說，我對《愛樂之城》有什麼「非議」的話，它結尾處對愛情的處理，就是了。

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題材是《愛樂之城》大受歡迎的一個重要因素，但導演Damien在電影上的天分、影片本身在各個層面上的優質，也是它之所以如此成功不可或缺的原因。

拍攝一部歌舞片其實難度很高。劇情設計、對白設計、人物表演、歌曲、舞美、戲服、佈景，以及最後的剪輯節奏，都必須按照音樂的節奏來，要和音樂搭調同步。如果拍一部普通電影就夠複雜，拍一部音樂片，難上加難。但是《愛樂之城》在以上各方面都做到了上乘。並且，它還出自一位年輕導演之手。這也符合好萊塢對「造夢」與「傳奇」的需求。

更為難得的是，Damien開創了歌舞片的一種獨特調性與氣質，它既尊重歌舞片的傳統，處處流露對經典的致敬，從歌舞設計、人物造型設計、佈景舞美到後期的蒙太奇剪輯手法，它同時又十分現代、接地氣，還不乏對洛杉磯現實的調侃，比如影片開幕的大堵車、誇張喧譁的派對、對明星的追逐與崇拜等等。

這讓影片帶有一種濃濃的「舊式」（traditional）理想主義氣質、浪漫氣質（比如極其唯美的星空之舞），同時又十分的「當代」（contemporary）。

這種在電影語言的傳統與創新之間所做的平衡與結合，呼應了影片在夢幻fantasy與現實reality的主題之間所做的平衡。這種重合，不得不說是Damien的天才之處。

這位電影營養汲取自電影黃金時代，深受法國與美國新浪潮電影影響，同時又激情四射，才華橫溢，並懂得如何與現實角力的年輕導演，的確有可能成為奧斯卡史上最年輕的最佳導演獎得主。

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