關於伯格曼鏡頭語法和思考

早期電影誕生之初，被看成是一種不入流的影像化娛樂活動，而經歷了數個電影思想運動之後，電影的地位才逐漸被人們所重視，如果說蒙太奇運動，表現主義運動，印象派運動等等，極大推動了電影表現形式的發展，那麼正是歐洲這一群無數「作者電影」們，把電影推上了藝術的高峰，而其貢獻人物不乏畫家，哲學家，作家，其中以繪畫派極大影響了電影運動。
 藝術電影之所以叫藝術電影，必定會涉及人生死之疑問，關於世界，宇宙這些深刻的思考，這與我們每個人都息息相關，但卻又是晦澀難懂的。而伯格曼作為「作者電影」代表人物，其電影題材無不涉及生死的嚴肅思考。

 但是電影作為影像化的藝術，必須熟練的運用鏡頭語法表達，有一些人內心或許有很多想法想要表達，但不熟悉鏡頭語言，所以出來的電影連他自己也都不懂了。而伯格曼能嫻熟的掌握鏡頭語言，處處精心設計，每個鏡頭的切換之間透露著作者細膩的心思。他的電影台詞鮮少，（不一概而論）多為固定鏡頭為主。

鏡頭語法
《處女泉》中的主角砍樹，伯格曼用一個固定的全景鏡頭，拍樹木在畫面之間左右搖擺，極好的隱喻了與世界抗爭中人生命的無奈，當切換特寫樹木倒下的鏡頭，似乎象徵人死亡倒地的動作，兩組鏡頭的轉換平順流暢，而每個人在觀看這組鏡頭時，都能感受到油畫般的美感，其得到的體會每個人也各不相同。
《第七封印》的死神和主角在海邊下棋的時候，鏡頭微仰拍，兩人體格顯得寬大，體現出死神的威嚴。主角在山頂眺望遠處的時候，他向右走出畫面，鏡頭卻不動，繼續拍風景，然後稍微的向左邊移動，死神從左邊走入畫面，這組移動鏡頭一下讓人感受到了死神的恐怖。機位稍俯拍，山背景顯得遠渺小，則像徵了死神籠罩所有人，沒人能逃脫死神的控制。
  
  其他如《芬妮與亞歷山大》開場男孩在簾幕拉開與我們見面，《呼喊與細語》《秋日奏鳴曲》大量的人物特寫鏡頭佔據畫面，時刻感受到一種壓抑的氣氛。
《夏夜的微笑》先是聽到槍聲，切到男人持槍關門，則是聲音對影像的象徵，我們會好奇，到底他殺了那個男人沒有。
《野草莓》中，老教授和年輕的自己在一個鏡頭中，在晚年將死的時刻，思考自己一生的意義，而這些通過虛擬與現實結合的鏡頭設計，我們能感受到老人悔悟年輕時候不懂生命的意義造成的諸多遺憾，讓人也深深陷入了思考，在後世的《安妮霍爾》中也能看到這種影子。

 我們對這個世界充滿了疑問，而這些疑問歸根結底就是人類的三大問題，人從哪裡來，要到哪裡去？生命意義是什麼？而這些問題科學是無法回答的。當然伯格曼的電影也無法回答。好的電影不是解決問題，而是提出思考，跟哲學是一個道理，它不能解決你的實際困難，但要提出警醒，你得知道，不能麻木不仁的生活，從而更近一步接近內心的平靜幸福。

 而他的電影正是提出了生死疑問，人生自由，生命的意義這些嚴肅思考。

《處女泉》中，教堂的蠟燭只能是處女點燃，這是規定，那麼為什麼只能是處女去點呢？宗教不是強調人人平等，這不是自相矛盾嗎？生命是女人破處後的延續，正是對於規矩的反諷。當處女被兩個男人強姦後殺死，人為了滿足自己的慾望不惜傷害他人的生命，這是對生命的思考。當父親挪動女兒屍體，地下的泉水冒了出來，彷彿是「某某」在為她哭泣，那麼真的存在上帝嗎？這是對宇宙的思考。父親決定殺掉三個男人前，用宗教的儀式洗清罪惡，這是一種心理安慰，我看到的是父親的憤怒無奈，如果說死亡是人的解脫，那麼父親執意報仇，他仍然沒跳出世俗的圈子，這是他信仰一輩子宗教的痛苦。生命平等，他已犯下罪惡，需要尋求心理安慰，這是脫離不了的無奈。而伯格曼這種對矛盾的思考是晦澀痛苦的，《少年派的奇幻漂流》中說「科學解決外在，藝術解決內在」則做了普世化的解讀。
 《第七封印》《假面》《羞恥》這三部電影在我看來有相同之處，在政治壓迫的年代，任何東西都無法解救人類，如果說非要追求自由的話，要嘛是宗教似的個人心靈安慰，要嘛就是死亡。《頤和園》中有一句話「無論自由與否，人人死而平等，希望死亡不是你的終結，憧憬光明，就不會懼怕黑暗。」我知道原話有相愛兩個字。
 
《野草莓》著重探討了生命的意義，老教授晚年的時候回憶起自己的一生，年輕時候的畏首畏腳，失去了心愛的女人，失去了家人朋友，用悔悟的方式完成心靈的救贖。

 我再想，有兩種人可以為了理想自由主義付出一切，一種是世俗所謂的成功人物，在塔尖經歷得多，自然看得透。另一種是一無所有的人，因為一無所有，才是勇敢的大無畏者，這也是崔健當年在北京工體一嗓子吼出《一無所有》劃時代的意義。透過影像，我們可以跨越時空，和螢幕後的智者進行思想交流，電影真是很神奇的藝術形式。
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