《愛樂之城》到底好在哪裡，讓那麼多人為它驚嘆為它哭？

看了兩遍《愛樂之城》。

看第一遍的時候，更多關注的是影片的故事和情感，被裡頭表達的夢想和愛情所觸動。但坦白講，看的時候不夠專心，因為老是被片中的一些橋段所吸引，在為那些流暢的鏡頭與優美的畫面驚嘆之餘，會忍不住去琢磨：這一段是怎麼拍的？攝影機是如何運動的？燈光是如何處理的？導演是怎麼調度這一場戲的？

諸如此類的疑問，將我的思緒拉到螢幕之後。即使幕前的許多細節非常打動我，也還是止不住地會去想影片拍攝的問題。

譬如開場那六分鐘左右的公路歌舞，換成我來面對這一段的劇本，可能就會思考類似的問題：在不用電腦特效的情況下，如何呈現真實的高速公路擁堵？如何安排一百多名舞者完成各自的歌舞又實現一定的統一？怎樣解決演員的服裝與汽車車身的顏色，才會既讓畫面好看，又讓氛圍夠熱烈？該怎麼調度，才能完成一鏡到底的酣暢感？在這樣人多、車多且又狹窄的空間裡，如何讓攝影機自如運動？

想想都難。

首先，要解決場地問題，需要找一段真實的、安全的、可以讓你拍一兩天（意味著需要封路）的高速公路，這不僅得去找這樣的場景，還得完成一系列的審批；其次就是演員調度，他們的歌舞動作、出鏡順序、移動走位、與音樂的配合、與攝影機的配合等等，是一個需要精密規劃的工作。

尤其是攝影機的運動，在不同的人、車之間穿梭運動，要考慮光線、構圖問題，還得考慮一鏡到底的效果，對攝影師是一個很大的考驗。(下圖這種倒還相對輕鬆）

我在看的時候，猜測開場那一段應該是經過了嚴格排練的，攝影師可能是用斯坦尼康拍攝的，但裡頭有好多鏡頭，又有明顯的跨越隔離帶與升降、轉移的運動軌跡，單純用斯坦尼康，怕是難以實現。

還有夜晚跳舞那一段，如何把洛杉磯的夜色拍得那麼層次分明（藍、白、粉、紫）、那麼美？如何把兩位主演的舞蹈拍得那樣的流暢自然？包括結尾那一段穿越多個場景的歌舞場面，又是如何調度拍攝的？

這樣的問題縈繞著我，讓我對它的幕後拍攝故事愈發的感興趣。回到北京陪家人遊覽了兩天之後，便找了時間跑到影院，看了第二遍。

還是覺得好，故事好，情感好，音樂好，氛圍好，表演好，服裝、色彩、燈光、攝影都好，除了裡頭的價值觀會遭遇不同的討論之外，其他都很好。

比如故事：影片用春、夏、秋、冬來分章節敘事，不僅線索分明，情感也表現得更為貼切。男女主人公所經歷的情感變化，就像四季那樣，有萌動，有熱烈，有凋零，也有冷寂。相對來講，《愛樂之城》的故事很簡單，兩個有夢的男女青年，因為夢想走到一起，又因為各自的夢想而分離。

影片開始分別從各自的視角交代了瑞恩·高斯林與艾瑪·斯通飾演的男女主角的背景，隨後又合成一條線同步敘事，將兩人從相戀到出現矛盾到分離到再相遇依次呈現出來，邏輯順暢，節奏自然，如同四季變換，很好理解。

比如情感：許多觀眾在看電影的時候不禁淚目，大概是被裡頭的某些情感所觸動，引發了共鳴。影片表達了兩大情感要素：夢想與愛情。男女主角各自心懷夢想，一個想著傳承和發揚爵士樂，一個想著成為一名演員，在本就充滿夢境與造夢工廠的洛杉磯，二者相遇、相戀，最終分離。

相遇前，高斯林為了夢想，獨自在城市奮鬥，精神上獨立豐富，無奈物質上近乎窮困潦倒，只好妥協去餐廳演奏、去趴體伴奏，但卻從未放棄對夢想的堅持；艾瑪·斯通為了夢想，不斷地試鏡，不斷地鼓勵自己，厭惡乏味的社交，醉心於表演，但為了生活，她不得不在咖啡廳當服務員，擠著時間尋找機會；逐夢之路並不順暢，兩人卻都各有堅持，品嚐過逐夢過程中的那些辛酸苦楚，才更懂得堅持的可貴。

於是互相能看到對方的閃光點，能互相吸引，彼此動情。相戀後，兩人繼續為各自的夢想而奮鬥，過程雖然仍有艱辛，生活卻更多歡樂。但終究還要面對現實，在艾瑪·斯通與家人通電話的時候，提到的關於錢的問題，讓聽到談話的高斯林有了些變化。他開始接受室友的邀約，彈奏能夠取悅潮流的音樂，開啟各種巡演。錢是賺到了，但卻離自己當初的夢想漸行漸遠，那並不是戀人所期盼的。

一頓爭吵之後，男主開始反思自己所做的事情，女主遭遇事業上的打擊，兩人的關係開始出現裂痕。即便是有過那麼多的美好，即便是男主用一個試鏡來試圖挽回，兩人的關係也不得不面臨分離。

多年以後，二人再遇，各自都實現了當初的夢想：女主成為了備受關注的知名演員，男主擁有了自己的爵士樂餐廳。但兩人已經有了各自的生活，那些二人共同生活的美好的場景，只在想像里出現。眼前的現實是，兩人四目相對，飽含難以言說的滋味。

遺憾也好，祝福也罷，曾經在一起的諸多美好，都已成過往。能夠在四目相對時，依然露出笑意，彼此頷首點頭，就是對過往最好的一種安放。

許多觀眾被最後十分鐘所觸動，在兩人四目相對時忍不住落下淚來。大概也是想到了自己所經歷的愛情吧，那些遺憾，那些曾經。當然了，也有觀眾表示不知道哭點在哪。這很正常，沒有經歷過為夢想奮鬥的人不會被感動，沒有經歷過遺憾的愛情的人也很難被觸動。畢竟，大多數感動，都源於電影裡那些和自己產生共鳴的點。

《愛樂之城》的故事和情感，無疑是做的很好的。但我最為關心的那些拍攝問題，也在經過查閱諸多採訪、報導以及相關文章資料之後，有了一些答案。

比如開場那六分鐘的公路歌舞，有上百輛車和上百位舞者參與，事先的確進行了多次排練。導演達米安·沙澤勒帶領劇組在製片辦公樓附近的停車場進行排練，演員、編舞、攝影師等等，紛紛參與到排練當中，為實際公路的拍攝做充分準備。

劇組選中了洛杉磯一條高速公路交匯的地段拍攝，時間只有兩個週末，第一個週末，劇組進行了多次排練，因為場地的原因，導演推翻又定製了多個拍攝方案。這段公路是個斜坡，且又一個高約四英尺的隔離帶，給編舞及攝影帶來了諸多不便。用斯坦尼康來拍攝並不方便，而導演還是想要一鏡到底的效果。於是，劇組啟用了「車載伸縮搖臂」，才解決了攝影機運動的問題。

有意思的是，和電影《鳥人》一樣，這一段長鏡頭效果里，也包含了剪切點。因為場地限制，影片這段六分鐘的長鏡頭被分成了三段，只是在拍攝的時候，通過「快速搖鏡頭」的方式，製造了剪切點。後期處理之後，看上去就是一個鏡頭下來的，很流暢，很自然，也很震撼。

包括像夜晚山頂尬舞那一段，劇組也是事先進行了多次排練，攝影師特意定好了二十七處攝影機運動的點，才完美地捕捉到了這一段超浪漫的舞蹈。

這裡十分有必要給兩位主演點個大大的贊，因為影片的拍攝除了需要他們貢獻精湛的演技之外，還需要大量的準備工作。瑞恩·高斯林和艾瑪·斯通都不是專業的鋼琴手或者舞蹈者出身，為了演繹好片中的角色，兩人都接受了長達數月的訓練。這和國內一些動不動用倒模做替身的演員比起來，真是令人尊敬啊。

但一部電影的成功，又不僅僅是演員的功勞。《愛樂之城》能夠給我們呈現如此這般的好，離不開攝影、燈光、配樂、編舞、美工等各工種的用心配合。但影片最大的功勞，當屬導演達米安·沙澤勒。

這位85年出生的導演，能夠堅持那麼多對電影本身的藝術表達，是十分令人佩服的。正是在他的堅持下，才讓我們看到了2.55：1的超寬畫面，看到了膠片拍攝的質感，看到了歌舞電影的魅力，看到了爵士樂所蘊含的獨特味道。

《愛樂之城》是一部用心製作的電影，自然也值得我們用心去對待。

PS：文字為作者原創，圖片均源於網路，歡迎交流~   舉報